這兩天在Max-MSP Mailing List裡有個不小的爭論，爭議點在於laptop樂手表演時，切斷了與樂器間直接可察覺的物理關係，且螢幕後的樂手從現成sample播放，也無法給予觀眾視覺衝擊，如此還能稱做現場表演嗎？從後續引發了超過五十封的回文中，略可窺見人們對於現場性概念的定義，走向，以及盲點所在。

回文中，有人承認electronic music仍在草創期，該給予多點包容；學院派以各類來解決；也有人強烈抨擊looper在台前不夠認真，說自己在220bpm的快節奏下是如何快速操縱。這話題繼續延伸到與指揮家間對比，VJ/DJ的表演性質，等等。

但回到問題原點，還是因為大多數人將傳統樂手所追求的Virtuosity，及即興演出的迷思，套用在電腦音樂上，而完全忘記了聲音藝術本身就是聆聽的藝術，從耳朵開始的。（見subborg。）完成一個Patch僅是作曲的開始，而做出一個新界面，也只是控制patch的通道，絕非表演重心。

附帶一提，作曲家 / Ircam 研究員後藤英（Suguru Goto）也曾在近期日版Sound & Recording中，專文抨擊所有他見過的Max/MSP表演，無非都是搞出個噱頭界面，然後搞現場即興。他對此種注重視覺性，而忘記作曲的音樂走向十分不滿，只可惜文章太過犀利而被主編大幅修改，日後該要來原文請臥夫君翻譯。

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